Yusef Lateef

Yusef Lateef [saxo tenor] [flauta]

(Chattanooga, Tennessee, 9 de octubre de 1920) La familia de William Emanual Huddleston, conocido como Yusef Lateef, se trasladó a Detroit, Michigan en 1925. A pesar de su corta edad, Lateef pronto entró en contacto con músicos de jazz establecidos en esa ciudad tales como Milt Jackson, Elvin Jones o Kenny Burrell. Cuando se graduó en la escuaela superior a la edad de 18 años, ya era un destacado saxofonista hasta el punto de iniciar su carrera profesional y empezar a girar con varias bandas de swing.
En 1949, Lateef fue invitado por Gillespie para ir de gira con su orquesta. Por esta época era conocido por el nombre de William Evans. En 1950, regresó a Detroit y empezó sus estudios de composición y flauta en la Wayne State University. Fue entonces cuando se convirtió a la religión Ahmadiyya.
Empezó a grabar como lider en 1957 para el sello Savoy, permaneciendo en él hasta 1959 colaborando con músicos como Wilbur Harden y Hugh Lawson. En 1960, continuó sus estudios de flauta en el Manhattan School of Music de Nueva York. Su figura emergió en 1961 con la grabación de "Into Something" y "Eastern Sounds". La utilización de instrumentos como el koto, las flautas de madera chinas, el exótico sonido del oboe y otros instrumentos no vinculados al jazz en estas grabaciones, hacen de Lateef uno de los primeros exponentes de la world music como subgénero del jazz. Entre 1962 y 1964 también hizo numerosas contribuciones a álbumes de otros músicos, y fue miembro del Cannonball Adderley's Quintet.
En 1963, firmó con el sello Impulse de John Coltrane con el que permaneció hasta 1966. Durante este período trabajó regularmente con el trompetista Richard Williams y el pianista Mike Nock. A finales de la década de los sesenta, incorporó a su música fraseos contemporáneos de soul y gospel, con un destacado sonido blues de fondo, en álbumes como "Detroit" y "Hush'n'Thinder". En 1969 se doctoró en Música y en 1972 se convirtió en profesor asociado del Borough of Manhattan Community College.
En los años 80, Lateff experimentó con elemntos de la new age y de los espirituales. Su álbum de 1987 "Yusef Lateff's Little Symphony obtuvo un premio Grammy como el mejor álbum de New Age, aunque sus influencias siempre han estado enraizadas en el jazz.
En 1992, fundó YAL Records, su propio sello con el cual graba actualmente. En 1993, fue contratado por la WDR Radio Orchestra Cologne para componer "The African American Epic Suite", un trabajo de cuatro partes basado en temas sobre la esclavitud en Estados Unidos. Más tarde, esta composición ha sido interpretada por la Atlanta Symphony Orchestra y la Detroit Symphony Orchestra.
En 2010 recibió el Jazz Master Fellowship Award como reconocimiento a toda su carrera. Si Yusef Lateef ha recibido un merecido reconocimiento por su labor de pedagogo, en el terreno musical sigue siendo casi un desconocido a pesar de la potencia de su sonido y de sus originales aportaciones a una música en constante evolución.
Blues for Vic

DICOGRAFÍA BÁSICA
  • The Centaur & The Phoenix (Riverside)
  • Eastern Sounds (Original Jazz Classics)
  • Gong (Savoy Jazz)
  • Live At Pep's - con Richard Williams (Impulse)
Página oficial

Eddie Condon

EDDIE CONDON [banjo] [guitarra] (Goodland, Indiana, 16 de noviembre de 1905 - Nueva York, 4 de agosto de 1973) Tras iniciarse con el ukelele, Albert Edwin "Eddie" Condon cambió al banjo convirtiéndose en músico profesional en 1921. Instalado en Chicago durante la mayor parte de la década de los veinte, tocó junto a músicos tan notables como Bix Beiderbecke, Jack Teagarden y Frank Teschemacher. En 1928 Condon se trasladó a Nueva York, donde hacía arreglos de jazz para sesiones de varios sellos discográficos y, a veces se unía a tocar con los artistas que llevaba al estudio. Cuando aún resultaban extrañas las sesiones de grabación en las que se integraban músicos blancos y negros, Condon las organizaba con Fats Waller, Louis Armstrong y Henry 'Red' Allen. Durante este tiempo también tocó con la banda de Red Nichols. A partir de 1938 se asoció con el sello Commodore de Milt Gabler. A partir de entonces se convirtió en un habitual del club de jazz Nick's de Manhattan. La sofisticada variación del Dixieland que Condon y sus colegas creaban fue apodada como 'Nicksieland". En esa época, su círculo de músicos asociados incluían a Wild Bill Davison, Bobby Hackett, George Brunies, Edmond Hall y Pee Wee Russell. En 1939, apareció en el film musical de la Warner Brothers "On the air". Durante 1944 y 1945, realizó una serie de programas de radio de jazz para el ayuntamiento de Nueva York que le hizo popular a nivel nacional. Entre 1945 y 1967 dirigió su propio club en Nueva York. En los años cincuenta, grabó una serie de álbumes clásicos para Columbia Records. Los músicos involucrados en aquellas grabaciones incluían a Wild Bill Davison, Bobby Hackett (corneta), Billy Butterfield (trompeta), Edmond Hall, Peanuts Hucko, Pee Wee Russell, Bob Wilber (clarinete), Cutty Cutshall, Lou McGarity, (trombón), Bud Freeman (saxo tenor), Gene Schroeder, Dick Carey, Ralph Sutton (piano), Bob Casey, Walter Page, Jack Lesberg, Al Hall (bajo), George Wettling, Buzzy Drootin, Cliff Leeman (batería). En 1957 realizó una gira por Gran Bretaña. Su última gira fue en 1964, cuando llevó su banda a Australia y a Japón. Hasta 1971 apareció por diversos festivales de jazz. Eddie Condon fue uno de los más fieles representantes del jazz tradicional y el perfecto anfitrión de toda una generación de jazz, papel no poco meritorio que a veces ha ocultado su reputada habilidad como acompañante.

Figety Feet, 1952

DISCOGRAFÍA ESENCIAL
  • Dixieland Jazz (CBS)
  • We Dig Dixieland Jazz (Savoy)
  • A Night With Eddie Condon (Arbors Records)

Don Byas

DON BYAS [saxo tenor] (Muskogee, Oklahoma, 21 de octubre de 1912 - Amsterdam, Netherlands, 24 de agosto de 1972) Carlos Wesley "Don" Byas procedía de una familia de músicos: su madre tocaba el piano y su padre, el clarinete. Comenzó su formación con la música clásica primero con el violín, luego con el clarinete y, finalmente con el saxo alto con el que estuvo tocando hasta finales de los años veinte. Empezó a tocar en orquestas locales a la edad de 17 años. En el Langston College de Oklahoma fundó y dirigió su propia banda, "Don Carlos and His Collegiate Ramblers", que mantuvo durante 1931 y 1932.

Tras mudarse a la Costa Oeste, cambió al saxo tenor y tocó con varias bandas de Los Angeles. En 1933, tomó parte en una gira por la Costa Oeste con los "Sharps and Flats" de Bert Johnson. En 1935 trabajó junto a la banda Lionel Hampton en el Paradise Club.

En 1937, Byas se trasladó a Nueva York para trabajar con la banda de Eddie Mallory, acompañando a la mujer de este, la cantante Ethel Waters, en el Cotton Club. En 1938 y, más tarde en 1939 y 1940 tuvo algunos escarceos con la banda del arreglista Don Redman. Grabó su primer solo en 1939 para el tema "Is This to Be My Souvenir" con Timme Rosenkrantz y sus Barrelhouse Barons para el sello Victor. Durante esta época tocó en bandas de prestigio como la de Lucky Millinder, Edgar Hayes y Benny Carter. Entre marzo de 1939 y enero de 1940 se incorporó a la banda de Andy Kirk's grabando varios solos y, en septiembre de ese año grabó "Practice Makes Perfect" junto a Billie Holiday.. También participó en sesiones con el pianista Pete Johnson, el trompetista Hot Lips Page y el cantante Big Joe Turner. En 1941 tocó en el Minton's Playhouse junto a Charlie Christian, Thelonious Monk y Kenny Clarke en varias sesiones.

Después de una breve estancia con Paul Bascomb, tuvo su gran oportunidad cuando Count Basie le eligió para sustituir a Lester Young en su big band. Entre 1942 y 1946 realizó numerosas grabaciones junto a músicos de la talla de Dizzy Gillespie, Charlie Parker, George Wallington, Oscar Pettiford o Max Roach.

En septiembre de 1946 hizo una gira por Europa como una de las estrellas de la big band de Don Redman, recorriendo Dinamarca, Bélgica, Suiza y Alemania. Fueron la primera orquesta negra americana que apareción en la capital francesa después de la liberación. Después de algunas actuaciones en Bélgica y España, finalmente se asentó en París, donde casi de inmediato tuvo oportunidad de grabar.

En 1947 y 1948 vivió en Barcelona donde no le faltó trabajo con orquestas como la de Bernard Hilda, Francisco Sánchez Ortega o Luis Rovira. A principios de 1949 volvió a Francia, donde se convirtió en una figura familiar, no solo en el Saint-Germain-desPrés de París, sino embién en La Riviera.

Cuando Mary Lou Williams se trasladó a París entre 1952 y 1954, ambios renovaron la amistad surgida cuando coincidieron en la banda de Andy Kirk en 1939, 1940 y, más tarde, en 1944. En 1953 grabaron juntos para Vogue. Ese mismo año, Byas grabó también junto a Beryl Booker.

Tras mudarse a Holanda y casarse con una mujer alemana, trabajó intensamente en Europa, a menudo en giras con otros músicos americanos como Art Blakey, Kenny Clarke, Duke Ellington, Bud Powell, Dizzie Gillespie o Ben Webster. También grabó con la cantante de fados Amalia Rodrigues. Byas no regresó a Estados Unidos hasta 1970, para aparecer en el Newport Jazz Festival.

Murió de cáncer n Amsterdam en 1972 a la edad de 59 años. Don Byas es uno de esos músicos erróneamente considerados "secundarios"; su fraseo, su sonido y su dominio de las baladas le conviertieron en una influencia importanate para muchos saxofonistas coetáneos y posteriores.

Perdido, 1958
DISCOGRAFÍA ESENCIAL
  • All The Things You Are (Jazz Hour)
  • Don Byas on Blue Star (ECM)
  • Living My Life (Vogue)
  • A Night In Tunisia (Black Lion)
  • Those Barcelona Days (Fresh Sounds)
  • A Tribute To Cannonball - con Bud Powell (Columbia)

Ray Charles

RAY CHARLES [piano [organo] [vocalista]

(Albany, Georgia, 23 de septiembre de 1930 - Beverly Hills, California, 10 de junio de 2004)

Ray Charles Robinson fue pionero de la música soul durante la década de los años 50 fusionando los estilos rhythm & blues, gospel y blues durante sus primeras grabaciones para el sello Atlantic.

Debido a un glaucoma, empezó a perder vista a la edad de cinco años, quedando completamente ciego a los siete. Desde 1937 a 1945 estudió en el Florida School for the Deaf and the Blins en St. Agustine, Florida, donde su familia se había trasladado desde Albany. En este colegio, empezó a desarrollar su talento musical llegando a actuar en la emisora local WFOY. Cuando contaba diez años, murió su padre y, cinco años más tarde, su madre.

En el colegio, Ray sólo recibía clases de música clásica, pero él se sentía atraido por el jazz y el blues que escuchaba en la radio. Hacia 1943, empezó a tocar junto a los hermanos Adderley, Nat y Cannonball.

Tras la muerte de su madre en 1945, se trasladó a Jacksonville donde vivió con una pareja, amigos de su madre. Durante un año proximadamente tocó el piano para bandas como la del Ritz Theatre en LaVilla, ganando 4 dólares por noche. Luego, se mudó a Orlando y, más tarde a Tampa, donde acompañó a The Florida Playboys. En esta época empezó a utilizar sus famosas gafas oscuras.

En 1947 volvió a cambiar de residencia, esta vez a Seattle. Allí realizó sus primeras grabaciones con el Maxin Trio (junto al guitarrista G.D. McKee y el bajista Milton Garrett) para el sello Down Beat, alcanzando su primer éxito en 1949 con "Confession Blues". Ya con su propio nombre, firmó para Swing Time Records, grabando otros dos éxitos, "Baby, let me hold your hand" en 1951 y "Kiis me baby" en 1952.

En 1953 firmó contrato con Atlantic, para quien obtuvo éxitos como "Mess around" y "It should have been me". Pero el tema que le daría una presencia a nivel nacional fue "I got a woman". La canción alcanzó los primeros puestos en todas las listas en 1955. Durante los siguientes cuatro años, los éxitos se sucedieron en su carrera y Charles contrató a un grupo de chicas jóvenes, The Cookies (conocidas más tarde como The Raelettes), para que le acompañaran a las voces.

Al finalizar su contrato con Atlantic, firmó con ABC-Paramount Records en noviembre de 1959. A raíz del éxito de "What I'd say", el sello le ofreció los royalties más altos que nunca había ofrecido a otro artista. El single vendió un millón de copias en Estados Unidos, a pesar de ser prohibido en varias emisoras de radio por las sugerencias sexuales de su letra.

En 1960 ganó su primer Grammy con "Georgia on my mind" compuesta por Stuart Gorrell y Hoagy Carmichael, y en 1961, otro con "Hit the road Jack" compuesta por Percy Mayfield. En noviembre de ese año tuvo problemas con la policía cuando encontraron heroina en un botiquín encontrado en su habitación de hotel. Sin embargo, el caso quedó archivado sin consecuencias para el músico.

En 1962, versionó "I can't stop loving you" de Don Gibson, éxito que se mantuvo 5 semanas consecutivas en las listas de pop y 10 semanas en las de R&B. También con este tema, obtuvo su único número uno en Gran Bretaña. En 1963 fundó su propio sello, Tangerine Records.

En 1965, fue arrestado por posesión de heroina, droga a la que era adicto desde hacía 20 años. Volvió a eludir la carcel ingresando en una clínica de Los Angeles. Durante las décadas de los sesenta y los setenta siguió cosechando éxito tras éxito.

En la década de los ochenta, una serie de eventos incrementaron su popularidad entre las jóvenes audiencias; por ejemplo su aparición en la película "The Blues Brothers" de 1980 o cuando cantó "America the Beautiful" durante el Wrestlemania 2 de 1986. En 1996 también hizo un cameo en la película "Espías como puedas". A lo largo de los 90 fueron numerosas sus apariciones en la televisión.

Charles murió de cáncer el 10 de junio de 2004 en su casa de Beverly Hills, California, rodeado de su familia y amigos. Su voz inconfunduble, la elegancia de su estilo al piano o al órgano y su vasto repertorio capaz de cautivar a cualquier tipo de audiencia hicieron de él una figura legendaria, cuyo éxito supera con creces el a menudo reducido mundo del jazz.

Georgia on my mind

DISCOGRAFÍA ESENCIAL

  • Blues In My Middle Name (Tring)
  • Genius + Soul = Jazz (Castle)
  • Ray Charles And Betty Carter (Essential)
  • Soul Brothers - Soul Meeting - con Milt Jackson (Atlantic)

ANTOLOGÍAS

  • The Ray Charles Story (Déjà Vu)
  • The Classics Years (Essential)
  • 41 Greatest Hits 1959 - 1963 (Frémeaux & Associés)
Página oficial

Erroll Garner

ERROLL GARNER [piano] (Pittsburgh, Pennsylvania, 15 de junio de 1921 - Los Ángeles, California, 2 de enero de 1977) Descendiente de una familia afroamericana, todos ellos miembros de un coro de iglesia, Erroll Louis Garner empezó a tocar el piano a la edad de tres años. Estudió en el George Westinghouse High School, donde tuvo como compañeros a Billy Strayhorn y a Ahmad Jamal. Músico autodidacta, nunca aprendió a leer música y durante toda su vida fue calificado como "músico de oído". A los siete años empezó a aparecer en la emisora de radio KDKA de Pittsburg con un grupo llamado los Candy Kids. En 1937, se unió al saxofonista Leroy Brown. Luego fue acompañante en la sombra de su hermano mayor, el pianista Linton Garner, hasta 1944, año en que se trasladó a Nueva York. Durante un breve período de tiempo sustituyó a Art Tatum trabajando con el trío del bajista Slam Stewart en el club "Three Deuces" de la calle 52 de Harlem y, aunque su personalísimo estilo se mantuvo siempre ajeno a la revolución del bebop, en febrero de 1947 tocó junto a Charlie Parker en la famosa sesión "Cool Blues". En 1950, Garner fichó para el sello Columbia y a mediados de la década por Mercury, disfrutando de una fama y un reconocimiento por parte del público que la crítica siempre le escatimó. En 1955 dio un concierto en Carmel, editado con el título de "Concert by the sea" que e ha convertido en uno de los discos más vendidos de toda la historia del jazz. En 1956 fue nombrado miembro honorífico de la unión de músicos de Pittsburg, cuya admisión le fue negada anteriormente por no saber leer música. Como anécdota, comentar que Garner era bajo de estatura, de forma que realizaba sus actuaciones sentado sobre varias guía telefónicas, para poder llegar con facilidad a las teclas del piano. También fue conocido por sus vocalizaciones mientras tocaba, las cuales pueden escucharse en varias de sus grabaciones. Hasta su muerte por cáncer en 1977, realizó varias giras por Estados Unidos y por Europa, además de producir un buen número de grabaciones. Garner está enterrado en el Cementerio Homewood de Pittsburg. Pianista de un gusto exquisito tanto en la interpretación como en la composición, dejó entre su herencia temas como "Misty", un auténtico estándar del jazz.

Misty, Bruselas 1962
DISCOGRAFÍA ESENCIAL
  • Body And Soul (Columbia)
  • Concert By The Sea (Columbia)
  • Encores In HI-FI (Columbia)
  • Overture To Dawn (Média 7)
  • Solo Time (Emarcy)

Harry James

HARRY JAMES [trompeta] [director de orquesta] (Albany, Georgia, 15 de marzo de 1916 – Las Vegas, Nevada, 5 de julio de 1983) Henry Haag “Harry” James procedía de una familia dedicada al mundo de la farándula. A la edad de 10 años recibía lecciones de trompeta de su padre que era el director de una orquesta de un circo ambulante. En 1931 su familia se estableció en Beaumont, Texas, donde James empezó a tocar con las bandas de baile locales. El 4 de mayo de 1935 se casó con la cantante Louise Tobin con quien tendría dos hijos. Ese año se unió a la banda del popular Ben Pollack con quien grabó su primer disco en 1936 y en la que estuvo hasta 1937, año en que se incorporó a la orquesta de Benny Goodman con la que permaneció hasta 1938. En febrero de 1939 debutó con su propia orquesta en Philadelphia, Pennsylvania, siendo la primera banda en la que empleó a Frank Sinatra como vocalista. Más tarde, la banda incluiría a otrsos solistas de renombre como los baterías Buddy Rich o Louie Bellson. Su éxito "You made me love you" alcanzó el Top 10 en la semana del 7 de diciembre de 1941 y fue la segunda banda más popular, tras la de Glenn Miller, en 1942. En 1943 se divorció de Louise y ese mismo año se casó con la actriz Betty Grable con la que tuvo dos hijas. Tras un breve período alejado de los escenarios, reorganizó la orquesta a principios de los años sesenta y siguió cultivando con éxito su personal visión de la música de la era del swing. Tras divorciarse de la actriz en 1965, se casó por tercera vez en 1968 con la showgirl Joan Boyd para volver a divorciarse en marzo de 1970. Su repertorio no se ciñó exclusivamente al jazz y el mundo del cine contó con su participación en más de veinte comedias. Entre sus colaboraciones, tocó la trompeta doblando a Kirk Douglas en la película de Michael Curtiz "Young man with a horn" en 1950 y su música aparece en la película de Woody Allen "Hanna y sus hermanas". En 1983, le diagnosticaron un cáncer linfático que no le impidió seguir trabajando. Su último concierto fue el 26 de junio de ese año en Los Ángeles, tan sólo nueve días antes de su muerte en Las Vegas. La orquesta de Harry James era, principalmente, una orquesta de baile que podía además permitirse el lujo de intercalar eshibiciones técnicas de sus músicos sobre temas casi circenses, como su adaptación del "Vuelo del moscardón" de Rimsky Korsakov, y contar a la vez con excelentes arreglistas de jazz como Neal Hefti.

Don't be that way, en 1965 con Buddy Rich a la batería
DISCOGRAFÍA ESENCIAL
  • Best Of Capitol Years (Capitol)
  • Compact Jazz: Harry James (Verve)
Página oficial

Jack Teagarden

JACK TEAGARDEN [trombón] (Vernon, Texas, 29 de agosto de 1905 - Nueva Orleans, Luisisana, 15 de enero de 1964) La familia de Jack Weldon Leo Teagarden, o Jack Teagarden como se le conoce, era una familia de origen aleman y tanto sus hermanos, Charlie y Clois 'Cub', y su hermana Norma, como sus padres eran también músicos: su padre era cornetista y su madre, pianista. En este ambiente familiar, el joven Jack pronto empezó a estudiar piano; pero a la edad de diez años se pasó al trombón. En 1918 su familia se trasladó a Nebraska y allí empezó a actuar en una sala de fiestas, hasta que un nuevo traslado familiar lo llevó a Oklahoma. Sin embargo, pronto se independizó y volvió a su Texas natal. Al principio de los años veinte ya tocaba profesionalmente como parte de un cuarteto en el Horn Palace Inn de San Antonio. Entre 1921 y 1923, actuó con los "Peck's Bad Boys" del pianista Peck Kelley para, más tarde, iniciar un recorrido alrededor de Estados Unidos en una rápida sucesión de diferentes bandas, hasta 1927, año en que llegó a Nueva York, donde había sido reclamado por el director de orquesta Herman Mher. En 1928 se incorporó a la orquesta de Ben Pollack con quien permaneció hasta 1933. En este período también grabó con otros músicos tan importantes como Louis Armstrong, Benny Goodman, Bix Beiderbecke, Red Nichols, Jimmy McPartland, Mezz Mezzrow, Glenn Miller, and Eddie Condon. Con su residencia establecida en Chicago, estuvo tocando durante algún tiempo con Wingy Manone. Durante la Gran Depresión, Teagarden vió peligrar su situación financiera y firmó un contrato en exclusiva con la orquesta de Paul Whiteman para los años 1933 a 1938. Este contrato aseguró sus finanzas, pero le impidió tomar una parte más activa en los avances musicales de la era del swing. En 1939 comenzó a liderar su propia banda que mantuvo hasta 1946. A pesar de sus esfuerzos y de contar con composiciones del mismísimo Glenn Miller expresamente escritas para su banda, ésta no consiguió un éxito comercial y, finalmente, casi le llevó a la bancarrota. Tras disolver la bigband, formó un sexteto con su hermano y Sidney Catlett entre otros, con el que actuó en el club de New York The Famous Door. En 1947 se unió a los Louis Armstrong's All Stars con los que debutó en el Festival de jazz de Niza en 1948 y en otros países europeos durante 1949. A finales de 1951 abandonó a los All Stars para liderar de nuevo su propia banda. En 1957 colideró una nueva banda junto al pianista Earl Hines y actuó en el Festival de Jazz de Newport. De nuevo con su propio nombre realizó una gira por Japón entre 1958 y 1959. De vuelta a los Estados Unidos, su salud ya se encontraba deteriorada. Siguió actuando en eventos hasta que en 1964 falleció en la habitación del hotel Prince Conti de Nueva Orleans a consecuencia de un ataque al corazón que se complicó por una bronconeumonía. Tenía 58 años, y su fraseo espontáneo y sentimental, su cálida sonoridad y su sentido del swing lo habían convertido en uno de los más populares trombonistas del jazz tradicional.

Dark eyes
DISCOGRAFÍA ESENCIAL
  • Accent On Trombone (Fresh Sound)
  • Jack Teagarden 1930 - 1934 (Original Jazz Calssics)
  • Jack Teagarden Classics 1934 - 1939 (Original Jazz Classics)
  • Shine - con Pee Wee Russell (Joker)

Earl Hines

EARL HINES [piano] (Duquesne, Pensilvania, 28 de diciembre de 1903 – Oakland, California, 22 de abril de 1983) Earl Kenneth Hines, conocido como Earl Hines y con el pseudónimo de "Fatha", era hijo de un cornetista de orquesta y su madrastra era organista en una iglesia. Si bien en un principio intentó seguir los pasos de su padre tocando la trompeta, pronto inició estudios de piano clásico, dedicándose finalmente a este instrumento. Mientras realizaba estos estudios, trabajó en el Leader House, un club nocturno de Pittsburg, tocando con Lois Deppe, saxo barítono. Con esta orquesta realizó su primera grabación para Gennett Recordings en 1923. En 1925 se trasladó a Chicago, que en aquellos años era la capital del jazz donde actuaban músicos como King Oliver y Jelly Roll Morton. Allí realizó su primera colaboración con Louis Armstrong como director musical del grupo "Louis Armstrong Stompers". En 1928 colaboró también con el clarinetista Jimmy Noone en el Apex Club. Ya a finales de los años veinte comenzó a grabar con su propio nombre y formó una sólida orquesta con músicos como Budd Johnson u Omer Simeon. En la década de los treinta, su música sonó en la radio de Estados Unidos y, a principio de los cuarenta por su banda pasaron algunos de los padres del bebop como Charlie Parker, Dizzy Gillespie u Oscar Pettiford. Frente a esa orquesta, el piano de Hines se convertía en estrella.

En 1946 sufrió un accidente de coche cerca de Houston, causándole varias heridas en la cabeza que le afectaron a la visión; sin embargo continuó liderando su banda durante dos años más. En 1947 compró el club El Grotto en Chicago, pero el fin de la era de las big bands dio al traste con su proyecto ocasionándole una considerable pérdida económica. Tras disolver su grupo, a principios de 1948 Hines volvió a reunirse con Louis Armstrong y sus All Stars, con los que permaneció hasta 1951. Durante los años cincuenta, pese a los cambios que se habían producido en la escena del jazz, Earl Hines se mantuvo en primera línea al frente de sus propias formaciones: desde pequeñas orquestas integradas por grandes figuras del estilo tradicional hasta cuartetos con Benny Carter, Stephan Grappelli, Paul Gonsalves o Johnny Hodges, o incluso en solitario. Al principio de los años sesenta, con su residencia establecida en Oakland, abrió una tienda de tabaco y estuvo a punto de retirarse del mundo de la música. Pero en 1964, gracias a su amigo Stanley Dance, fue redescubierto y dio una serie de conciertos en The Little Theatre de Nueva York que causaron una gran sensación y en 1966 alcanzó el Hall of Fame de la revista Down Beat siendo elegido como el pianista número uno del mundo. En esta década realizó giras por Europa, América del Sur, Asia y Australia, incluyendo la Unión Soviética en 1966. Desde 1964 hasta el año de su muerte, Hines grabó más de 100 discos, tanto en solitario como acompañado de talentos como Dave Brubeck, Buck Clayton, Roy Eldridge, Teddy Wilson y un largo etcétera de grandes músicos. Su personalísimo estilo que resaltaba el piano entre la polifonía de los instrumentos de viento propia de la música de Nueva Orleans, lo convirtió en el músico que revolucionó de manera absoluta el piano de jazz.

Rosetta

DISCOGRAFÍA ESENCIAL

  • Earl Hines 1928 - 1932 (Original Jazz Classics)
  • At The Village Vanguard - con Roy Eldridge (Xanadu)
  • Earl Meets Sweets & Jaws - con Harry Sweet Edison y Eddie Lockjaw Davis (Mercury)
  • It Don't Mean A Thing If It Ain't Got That Swing - con Paul Gonsalves (Black Lion)

ANTOLOGÍAS

  • Earl "Fatha" Hines 1928 - 1955 (Cleo)